钢琴音乐发展历程及重要代表

（一）文艺复兴时期的古钢琴音乐

在文艺复兴时期，复调音乐是最主要和重要的音乐形式。文艺复兴的初期和中期，古钢琴音乐还没有形成自己的风格，器乐只是为了烘托和强化人声，依附于声乐、管风琴和琉特琴音乐，不但没有专门的独奏曲目，甚至连伴奏的机会也不多。而且当时的音乐作品并不区分和标注由哪样乐器演奏，键盘乐器，甚至弦乐器和管乐器等都可以演奏。在乐器制造者的努力下，古钢琴乐器逐渐完善，并将自己能够演奏多声部复调音乐的优势展现出来。到了文艺复兴时期的后期，它们逐渐形成了自己独立的音乐风格。专门为古钢琴而作的音乐应运而生，同时产生了一些新的乐曲体裁形式，如托卡塔、利切尔卡几、幻想曲、变奏曲等。另外，还有很多歌曲改编曲、舞曲、回旋曲和练习曲。在专为舞蹈而创作的舞曲中，最受欢迎的是帕凡舞曲和帕萨梅佐舞曲以及较为活泼的嘉拉德舞曲等。音乐家在弹奏乐曲时常常只用到二指、三指、四指，手指的动作幅度很小，手型几乎是平直的。

意大利克劳迪欧·梅鲁洛和西班牙安东尼奥·德·卡贝松是文艺复兴时期最杰出的古钢琴音乐家、作曲家。在钢琴音乐的逐步发展中，其在钢琴音乐风格上一直属于严谨朴素的风格状态，与此同时，变奏曲也是具有代表性的钢琴作品形式，在卡贝松变奏曲中，他发挥了非同一般的创造力和别具一格的想象力。对于卡贝松而言，在基本方法的运用上一直采用的是和声循环，除了基本的和声音乐之外，其他的音乐因素包括音乐旋律、音乐节奏等，这些方面都是能够进一步改变的。正因为如此，他的变奏曲常常有两种形式，一种是固定低音变奏曲，另一种是固定旋律变奏曲。与此同时，在钢琴音乐的变奏技巧上，则需要进一步与内容统一，这促使卡贝松逐步成为文艺复兴时期的钢琴音乐艺术的代表。

（二）巴洛克时期的钢琴音乐

巴洛克时期大致指的是1600年至1750年，当时的音乐思想是以“神”为中心，宗教性强烈。复调音乐、多旋律的交替出现是最主要的音乐特点，常见固定低音及节奏的持续和反复，装饰音修饰旋律成为常态，并给演奏者极大的空间去即兴演奏。在力度变化上，巴洛克时期首次出现“阶梯式的力度变化”，力度成块状呈现。作曲家第一次在乐谱上标注了速度，使用了“柔板”“快板”等字样。

这一时期发明了钢琴，经过制琴者的不断努力和改进，钢琴已经传播到了一些国家，并且专门为钢琴而作的音乐已经出现。洛多维克·朱斯蒂尼在意大利佛罗伦萨发表了第一组钢琴作品《奏鸣曲》。不过由于当时钢琴在性能和音响效果上的不足，音乐家们依然多使用击弦古钢琴和拨弦古钢琴。在巴洛克时期古钢琴与钢琴的弹奏方法基本一致，运用的是“手指弹奏法”：手指保持圆拱形，主要用二指、三指、四指弹奏，手指的动作很小，指尖几乎贴着琴键，而身体的其他部位保持平稳。而巴赫开始运用了大拇指，他将大拇指从其他手指下穿过，使弹奏音阶等更加流畅和自然，也为演奏出更加具有歌唱性的乐句提供了多样的指法选择。另外，法国的羽管键琴大师菲利普·拉莫主张将手指抬高使其更具独立性，手在放松的状态下能更灵活跑动，这适合音响效果更为宏大的作品。

（三）古典时期的钢琴音乐

在钢琴音乐的发展历程中，对于古典时期音乐的时间而言，通常是指18世纪中叶到19世纪初。在古典主义时期，钢琴音乐在风格上具有以下特点：第一，钢琴音乐是严谨的，却又不失优雅；第二，钢琴音乐是简朴的，却又非常庄严；第三，钢琴音乐是准确的；第四，音乐本身非常在意形式美；第五，音乐本身是有秩序、有逻辑的；第六，音乐本身是富有创造性的。在音乐节奏上，更加重视技巧的处理，手法的运用。古典时期的旋律是最为重要的存在，形成以主调音乐为主的音乐形式。随着钢琴音乐本身的不断发展与迅速提升，钢琴音乐本身也逐步向平民阶层迈进，更加符合平民的生活需求。同时，钢琴音乐由于受到歌剧艺术的影响，在形式上也发生了更多的变化，更加重视气势的呈现，更加简洁、精致；在音乐风格上，也更加明朗，充满温暖。与此同时，随着钢琴制造业的发展，古典时期的钢琴音乐家们也开始专门为钢琴写作。以海顿、莫扎特和贝多芬为核心的“维也纳古典乐派”成为古典主义时期钢琴音乐的灵魂。

（四）浪漫主义时期的钢琴音乐

历史上的浪漫主义时期，主要指的是19世纪到20世纪。在18世纪末期，民主精神及个人主义在艺术的发展中起到了突出的影响作用。无论是诗人、画家或是音乐家，他们都热衷于内心的主观表达，都热衷于内在的表现形式，都不太在意客观的形式。浪漫主义时期是一个善于表达情感、鼓励表达内心感受与梦想的时期，是促进音乐发展与钢琴进步的历史时期。在浪漫主义时期，人们渴望自由与解放。从音乐的角度来说，浪漫主义时期的音乐更加温和，更加丰富，更加的侧重于抒发情感，更加注重与听者的内心互动。在音乐的特点上，浪漫主义时期的音乐更加注重采用有规律的重拍，因而其在钢琴音乐的旋律上更加强调激烈性和感情性。在人们的心中，浪漫主义时期的音乐是抒情的，在和声上，比古典时期的音乐要更加丰富与复杂，并具有更多的转调和半音体系，这也极大地提升了浪漫主义时期音乐的特色与丰富度。当然，在力度上，浪漫主义时期的钢琴音乐比古典时期要更加强烈，对于浪漫主义时期的钢琴音乐而言，创作者更加喜欢突然变化的钢琴音乐形式，更加偏爱变化度较强的音乐旋律。诸多钢琴演奏家都非常具有特色，如肖邦，其作为浪漫主义时期最负盛名的钢琴演奏家来说，也是钢琴发展历史中极具特色的钢琴演奏家，其只写过钢琴曲目，并没有再创作过其他音乐形式的曲目，这也是非常难得的。在肖邦的钢琴作品中，其更多偏爱激烈的、情感浓度更高的、更加饱满的音乐曲调，其作品中既充满了较强的细腻度，也充满了非常浓烈的爱国情怀。

浪漫主义时期的钢琴音乐，无论是音乐的形式，还是音乐的音域、音质，都产生了较大的变化，钢琴已经逐渐成为普及的音乐形式，受到了主流音乐的肯定与欣赏，钢琴作品的创作非常多，优质的钢琴作品也数量惊人。随着钢琴音乐的逐步发展，在浪漫主义时期，钢琴音乐也发生了一系列的变化，具体包括：第一，钢琴音乐的乐曲更加丰富，旋律更加富有表现力和独立性，更加华丽和富有感情，钢琴的节奏和风格更加的多样化与丰富化。第二，钢琴音乐和声中的变化音不断增多，其功能性在逐步减弱，钢琴音乐中音程的运用，促使钢琴音乐的色彩更加的丰富化与层次化。第三，钢琴音乐的演奏技能和乐谱逐步丰富起来，其整体形式都更加丰富与多样化。第四，钢琴音乐在曲式上更加凸显钢琴音乐织体的连贯性，在主题上更加凸显钢琴音乐的变化性。除此之外，在钢琴音乐的创作上，更加注重音符本身与听众的互动与情感共鸣，许多钢琴音乐的创作者开始标注标题，以此来更好地展示钢琴音乐，提高听众的理解能力。

（五）印象主义时期的钢琴音乐

在印象主义时期，钢琴结构中机械部分的性能已经实现了稳定性，因而，大部分钢琴音乐的创作者开始进一步探索针对钢琴音乐的其他表现因素。在此方面，德彪西为我们展现了创作的灵感。其进一步开发了钢琴音乐中，手指触键的方法及钢琴音乐中对踏板的进一步使用，其促使钢琴音乐逐步产生了更加丰富与层次化的美妙音乐。与此同时，普罗科菲耶夫也对钢琴音乐进行了全面地探索与研究，其热衷于借助钢琴制造出更加浓烈的打击乐风格以及表现出非常粗犷的音色，以此来展现庞大的钢琴气势。在印象主义时期，钢琴音乐的演奏呈现出更快地提升。进一步减少多余的动作来促使钢琴弹奏中音乐动作的简洁，同时放松手腕，以此缓解手指的疲劳度。印象主义时期多种多样的手指触键方法，提升了钢琴音乐的丰富性，创作出了更加丰富多彩的音乐。(www.chuimin.cn)

德彪西是印象主义时期音乐的创始人，其将印象主义的理念引入了钢琴的音乐领域。其创作的内容包含了管弦乐、钢琴、歌剧等诸多方面。在印象主义时期，德彪西的钢琴音乐作品非常具有特色，它们往往具备色彩细腻的和声及丰富多变的织体，在钢琴音乐的表现力上具有空灵、朦胧的特点。在印象主义时期，德彪西也是非常注重挖掘钢琴音乐丰富性的创作者，对于印象主义时期的钢琴音乐具有重要的推动作用。

德彪西的钢琴作品仍然保留了部分关于浪漫主义钢琴音乐的特点，在此方面，他进行了深入探索与研究，以此进一步拓展了钢琴音乐的丰富性，推动了钢琴音乐的全面发展。德彪西的主要成就在于，他对钢琴音乐的和声手法进行了全面的创新，对钢琴音乐潜力的挖掘进行了更加深入的研究，进一步打破了钢琴创作的全面限制，旋律的创作成片段式发展，并进一步探索了和声的丰富性。对于德彪西而言，在其创作的钢琴音乐中，不同的和弦设计都是建立在音乐色彩的基础上，和弦设计本身能够脱离调性而广泛存在，并具有独立的含义。德彪西的钢琴和弦具有特色与划时代的意义，其将不同色彩的和弦设计运用到具体的钢琴作品中，具体包括平行和弦、加音和弦、四度叠置和弦。在德彪西的钢琴作品中，音阶进一步突破了以往的大小调体系的范围，大量运用了自然音阶、东方的五声音阶等。德彪西进一步扩大了钢琴的音量变化幅度，注重钢琴音乐的变化性和对比性，充分挖掘了钢琴弱音范围内的表现层次，善于把钢琴中不同音区和音色放在一起进行各种对比研究，以此促使钢琴低音区的音色与高音区的音色形成共鸣与呼应，从而营造出钢琴音乐的美好意境，丰富了钢琴音乐的表现力。在印象主义理念的影响下，德彪西的音乐创作中运用了大量的踏板技巧，其借助于延音踏板及弱音踏板的设计，从而进一步增强了钢琴音乐中音符的流畅性，与此同时，其还挖掘了更多的音色特点，如管弦乐器等。借助于踏板的运用，促使钢琴音符的余音实现振动，形成具有特色的钢琴音乐。与其他印象主义时期的钢琴音乐家一样，德彪西也更加注重对事物的瞬间捕捉，更加注重对事物的全面描绘，其借助于不同的声音，描述出具有丰富层次的钢琴音乐作品。德彪西优秀的弹奏技巧也展示了印象主义时期钢琴音乐的表现力。他善于借助手指的灵活运用以及钢琴踏板的有效使用，表达对客观世界的主观感受。其发明了“不协和和弦”融合在一起的弹奏方法，以此演奏出更加具有特色与丰富度的钢琴音乐，打破钢琴演奏技术的传统，创造出新颖、微妙、飘浮不定的演奏方法。这些都为当今的钢琴教学提供了切实有效的发展基础，也为学生学习钢琴弹奏技术打下了扎实的基础，有助于帮助学生进一步了解钢琴作品。

莫里斯·拉威尔是印象主义时期优秀的钢琴音乐家，也是当时最炙手可热的作曲家之一，其丰富的想象力进一步拓展了钢琴音乐的探索空间。其对踏板的研究可谓深入而全面，巧妙地提升了钢琴音乐创作的表现力与丰富性。拉威尔生活在西班牙地区，其在创作中很好地吸收了法国以及西班牙的民间音乐素材，汲取了不同国家音乐的精髓，在古典音乐的基础上，进一步拓展了印象主义时期钢琴音乐丰富的生活气息，丰富了钢琴音乐的层次化。拉威尔非常重视钢琴曲式结构的严谨性及调性设计的科学性，这在他的钢琴音乐作品中都有很好的体现，尤其是《水的嬉戏》。在这部钢琴音乐作品中，拉威尔受到了李斯特辉煌钢琴技巧的影响，加强了演奏技巧的运用，展现出拉威尔演奏技巧的丰富性，表现出了较高的能力。在该钢琴作品中，其借助于大小七和弦等技巧的运用，促使钢琴作品本身具有了一定的缥缈色彩，带有印象主义时期钢琴音乐的创作特质和独特魅力。作品《镜子》也具有较强的代表性，该曲由五首乐曲组成，充分展现了钢琴音乐作品的层次性。

（六）20世纪的钢琴音乐

对于20世纪的音乐而言，多样化是其重要的特点之一。在20世纪的音乐创作上，纯音乐以崭新的形式来表达钢琴音乐作品本身的魅力与价值。节奏上，有了更多的形式与变化。无论是变化形式，还是变化速度，20世纪的音乐节奏都更加迅速、多样与复杂。甚至诸多钢琴演奏者还运用了“多节奏”的音乐弹法。对于20世纪以前的钢琴音乐而言，旋律一直是钢琴音乐的重要组成部分，也是固定的组成形式，但是在20世纪的钢琴音乐中，旋律有了更快的发展，逐步让位于钢琴的节奏、和声及音色，甚至有的时候根本没有所谓的音乐旋律。当时的钢琴音乐家们对钢琴音乐本身进行了多样化的尝试与探索，促使当时的钢琴音乐逐步有了更加丰富多彩的变化。部分钢琴音乐作品进一步打破了传统调性音乐的写作规范，没有相应的调性和具体的拍号。演奏家借助于电子设备，在演奏形式上进行充分革新，开展了实验设计，不仅进一步打破了传统钢琴音乐的限制与制约，还打破了钢琴音乐中手的技巧运用。与此同时，在20世纪，钢琴的运用更加的广泛，也更加的丰富化。其不仅能够在音乐中担任相应的独奏、合奏等角色，也可以作为伴奏的形式出现。在诸多音乐形式中，借助于钢琴来进一步演奏的作品与音乐体裁非常多，如变奏曲等。

在20世纪的钢琴音乐中，钢琴的弹奏技法更加多样，这无疑进一步促进了钢琴演奏的丰富性与表现力。奥托奥特曼在针对钢琴教学的研究中，进一步提出了杠杆理论，其认为：“在钢琴音乐的弹奏过程中，演奏者的手指到肩膀，就是一个互相联系互相作用的共同体，也就是一个完整的杠杆系统。”奥托奥特曼借助于物理原理，对钢琴音乐演奏过程中触键的力量运用进行了全面地分析与研究。除此之外，奥托奥特曼还进一步提出，演奏者需要在肌肉的紧张度与松弛度之间寻求最大的平衡力度，从而进一步完善钢琴弹奏的过程。在此方面，阿舒尔茨也对钢琴的演奏原理进行了全面的研究，对钢琴演奏中手掌部位小肌肉的运动性开展了全面的分析，以此进一步发现了不同手指之间小肌肉的运用，以及手指之间协调用力的关系。奥托奥特曼提出了只有进一步协调运用演奏者自身手指的小肌肉，弹奏者在弹奏的过程中手指才能够更加的灵活，其对钢琴的弹奏才能够更加的放松。

20世纪，许多优秀的作曲家对钢琴本身的影响范围产生了浓烈的兴趣，更加能够进一步引发人们的认可与支持，从而进一步提升了钢琴影响的可能性与完善性。例如，美国人亨利·考威尔，是美国最早对钢琴演奏技巧进行探索的作曲家之一，被认为是美国现代音乐的先驱。在20世纪的钢琴音乐中，考威尔在自我探索的基础上，进一步创作了《曼侬侬的潮汐》，在这首钢琴音乐作品中，其借助于音簇的方法，以及无声按键的方法，增强了钢琴音乐本身的和声效果，从而逐步创设了新的音乐空间，塑造了最早借助于拳头和手腕弹奏的钢琴音乐作品。对于钢琴音乐而言，考威尔也在全面探索钢琴内部声音等诸多方面进行了多种尝试，他借助于多种方法，创作了《不详的回响》，其对演奏者提出了两点要求：第一，弹奏者在演奏时，要以更接近弹奏吉他的方式拨弄钢琴琴弦；第二，在某些部分上，需要以轻触琴弦的方式来逐步产生泛音。考威尔的学生约翰·凯奇在弹奏前需要将钢琴特别调制一番，将一些异物如塑料、螺钉或木片等塞进琴体，以改变钢琴的音色。

乔治克拉姆所创作的钢琴音乐作品基本要求弹奏者需要以特定的方式弹奏，例如，在《大宇宙》中，要求钢琴弹奏者需要借助于特定的方式来拨、按琴弦，不仅如此，乔治克拉姆还在钢琴的琴弦间添加了小链条，促使钢琴演奏者在接通电源后，可以发出特别的声音，以此来促进钢琴弹奏的特别性。在20世纪的钢琴音乐中，美国作曲家查尔斯·艾夫斯听到走调的教堂钟声触发灵感，在他的《第四交响曲》和《三首四分音钢琴曲》中使用了两架相差四分之一音的钢琴。而伊万维什涅格拉德斯基，专门为他的先锋音乐作品制作了一架三排键四分音钢琴。另外，他还借助于在摇滚乐吉他手中特别流行的拾音器给琴弦加上电磁力，能使声音持续并发出更有穿透力的声音。

阿诺尔德·勋伯格是20世纪最有影响的作曲家之一，表现主义音乐的重要奠基人。在20世纪的钢琴音乐中，他的钢琴作品有着重要的地位。表现主义在艺术观点上是对法国印象主义的否定和排斥，它颠覆了原先有关音乐传统美学的观念，强调用夸张的手法来表达内心的感受。在20世纪的钢琴音乐作品中，勋伯格创作的钢琴作品《钢琴曲三首》是他最早对无调性音乐的尝试。乐曲打破了传统调性音乐的写作方式，没有和声的进行音乐表现，在音乐的发展上运用了卡农的模仿和对位的写作手法。勋伯格创作了十二音体系的作曲方法，这是在无调性音乐基础上更进一步发展而来的，它是由作曲家运用半音阶的十二个音任意组成一个音列，包含诸多的音乐要素，如主题、动机、伴奏、和弦等，并以音列的原形、逆行、倒影、倒影逆行等形式来发展和构成一首乐曲，要求在十二个音全部出现之后才可重复其中的音符。它在原先舞曲的节奏基础上使用了崭新的钢琴语言，成为十二音体系创作音乐手法的范例。

巴托克是20世纪民族主义作曲家中最具代表性的人物之一，其在匈牙利的民间音乐语言基础上发展和开创了新的音乐风格，与此同时，对于20世纪的钢琴音乐而言，他也是现代音乐的开拓者和革新者。20世纪的民族音乐不注重深厚的爱国主义情感，而是更注重于对民族民间音乐本身的发掘和体现，其进一步展现了20世纪的钢琴音乐的全部面貌，促进了20世纪的钢琴音乐的不断发展与变化。

奥利弗·梅西安对20世纪中后叶的音乐发展有着巨大的影响，对序列音乐的发展起着关键性的作用。他创作的《时值与力度的模式》被认为是第一首有影响的全面的序列音乐作品。这首乐曲在三个声部中分别使用了三个不同音高的十二音列。这不同于十二音体系作曲方法只是将音高序列化的作曲方式。在20世纪的钢琴音乐中，序列音乐引发了音乐家对创作音乐的更多思考，这无疑推动了20世纪钢琴音乐的全面发展与繁盛。

梅西安并没有专注于序列音乐的研究与创作，而是另辟蹊径，在其他钢琴音乐风格上做出了改进与补充，对于钢琴音乐而言，他并不属于哪一个流派，他的钢琴音乐风格是独一无二的，他的钢琴音乐体系是特别的，不仅跨越了20世纪的钢琴音乐，还超越了任何一个时期，因而，他对于钢琴音乐的贡献与价值是显而易见的，具有更加重大的音乐意义。梅西安的音乐思想在20世纪三四十年代就已经成熟，在他的诸多著作中，都进一步阐述了他对于钢琴音乐的理解与认识，对于钢琴音乐发展的想法与理念。其钢琴作品常常围绕不同的钢琴主题，但是有三个钢琴主题是从来不变的，一是宗教主题、二是爱情主题、三是关于大自然的主题。他对大自然的喜爱之情与敬畏之心，在其钢琴作品中很好地体现了出来，他善于记录鸟鸣声，善于创作鸟鸣的作品，这不仅进一步提升了大自然在钢琴音乐中的魅力，也进一步探索了钢琴音乐的音色可能性。