设计构成的基本概念与发展脉络

教学目标

（1）专业能力：能通过了解设计构成的基本概念，培养抽象思维能力；能厘清设计构成的发展脉络，并找出其中的艺术规律；能创造性地归纳出设计构成的艺术语言。

（2）社会能力：能从中国传统图案和符号中提炼出设计构成的元素和符号；能有效地搜集设计构成的案例作品；能够分析各类设计中设计构成是如何应用的，并能生动地表述出来。

（3）方法能力：资料搜集、整理和应用能力，设计案例分析能力，创造性思维能力。

学习目标

（1）知识目标：设计构成的基本概念和表现形式；设计构成的发展脉络和代表艺术形式。

（2）技能目标：能够从设计构成发展脉络中归纳出艺术表现的规律，并应用于作品设计中。

（3）素质目标：能够深度挖掘设计构成发展过程中各艺术流派的艺术观念，并能清晰表述其作品的艺术内涵，培养综合审美能力。

教学建议

1.教师活动

（1）教师通过展示设计构成发展过程中各艺术流派的设计作品图片，提高学生对设计构成的直观认识和艺术审美能力。

（2）引导学生发掘中华传统艺术中的设计构成理念，并能够创造性地提炼和整理出来。

2.学生活动

（1）选取设计构成发展过程中一个代表性艺术流派的设计作品进行深度分析，并现场展示和讲解，训练语言表达能力和综合审美能力。

（2）发掘日常生活中的设计构成形态，并形成系统资料，为今后的设计创作储备素材。

一、学习问题导入

设计构成无处不在，已经融入人们日常生活中的方方面面，如图1-1所示。

图1-1　设计构成在日常生活中的体现

二、学习任务讲解

1.设计构成的基本概念

所谓设计构成，即构造、解构、重构、组合，就是将设计中所需要的诸多要素和符号，按照形式美的艺术法则，重新组合成新的图形或造型。设计构成是现代造型设计的通用语言，是视觉传达艺术重要的创作手法。设计构成主要分为三个大类，即平面构成、色彩构成和立体构成。

平面构成是指将点、线、面或基本形等视觉元素在平面上按照一定的美学法则和创作意图进行编排和组合的一种艺术表现形式。平面构成是艺术设计的基础，主要利用点、线、面等视觉元素进行造型，以及将这些元素按照形式美的法则进行组合。平面构成是一种理性的艺术表现形式，它既强调形态之间的比例、平衡、对比、节奏、律动、推移，又讲究图形给人的视觉引导作用。平面构成主要探索二维空间的视觉造型语言，以及形象的创造、骨格的组织、元素的构成规律等艺术表现问题。平面构成通过对视觉元素的重新组合与编排，创造抽象的艺术形态，丰富艺术表现的形式，是进行艺术设计之前必须要学会的视觉艺术表现语言，也是进行视觉艺术创造、了解造型观念、掌握各种构成技巧和表现方法、培养审美观及审美修养、提高创作能力、活跃设计构思所必修的设计基础课。

色彩构成是从人对色彩的知觉和心理效果出发，用科学分析的方法，把复杂的色彩现象还原为基本要素，利用色彩在空间、量与质上的可变换性，按照一定的规律去组合色彩，创造出新的色彩关系。学习色彩构成的基础理论有助于深入研究和探讨色彩的特征，理解色彩关系，掌握配色方法，帮助设计师在实际创作中有效地利用色彩。

立体构成也称空间构成，是用一定的材料，以视觉为基础，以力学为依据，将造型要素按照构成原则，组合成美好形体的构成形式。立体构成主要从空间、时间和心理三个方面综合研究空间结构与布置形式，探索空间的组合方式和造型原理。学习立体构成知识有助于树立立体造型观念，培养三维抽象构成能力和三维审美观。立体构成设计具有感性与理性、直觉与逻辑相结合的思维特点。它遵循形式美法则，运用立体构成技巧及制作工艺在三维空间中进行组合、拼装，创造出符合设计意图，且具有立体美感的形态。

2.设计构成的发展史

设计构成这一概念最早产生于荷兰的风格派，并在以德国的包豪斯学院为中心的设计运动中得以发展和完善，并最终形成体系。风格派兴起于19世纪末、20世纪初的荷兰，以画家蒙德里安为代表，强调纯造型的表现和绝对抽象的设计原则。风格派主张从传统及个性崇拜的约束下解放艺术，认为艺术应脱离于自然而取得独立，艺术家只有用几何形象的组合和构图来表现宇宙根本的和谐法则才是最重要的。风格派还认为“把生活环境抽象化，这对人们的生活就是一种真实”。

风格派的思想和形式早期来自蒙德里安的绘画实践。蒙德里安（1872—1944年）出生于荷兰，是风格派的创始人。他的作品主要用线分割空间，构成一种理性的视觉美感。他崇尚构成主义绘画的表现方式，在《造型艺术与纯粹造型艺术》一文中说道，“我感到‘纯粹实在’只能通过纯粹造型来表达”，“抽象艺术的首要和基本的规律，是艺术的平衡，这种平衡是表与里的平衡、个性与集体的平衡、自然与精神的平衡以及特质与意识的平衡”。他毕生追求纯粹性的绘画和造型方式，对现代实用美术、建筑设计、家具设计以及服装设计有极大的影响力。

蒙德里安认为艺术应该完全脱离自然的外在形式，追求“绝对的境界”。他运用最基本的元素——直线、直角、三原色和无彩色系等来作画。他的作品只由直线和横线构成，色彩面积的比例与分割以“造型数学”为指导，一切都在严格的理性控制之下，故人们称他的作品风格为“冷抽象”，即冷静的抽象形式。蒙德里安作品如图1-2～图1-5所示，其色彩构成主义在设计中的应用如图1-6～图1-7所示。

图1-2　红黄蓝构图一蒙德里安　作

图1-3　红黄蓝构图二蒙德里安　作

图1-4　红黄蓝构图三蒙德里安　作

图1-5　红黄蓝构图四蒙德里安　作

图1-6　蒙德里安的色彩构成主义在建筑设计领域的应用

酒店外观的设计借鉴了著名的风格派大师蒙德里安的色彩构成主义风格，采用色块的组合与拼贴，在有限的空间营造出强烈的视觉冲击力。实景参考的酒店为中国台湾花莲的翰品酒店（五星级）。

图1-7　蒙德里安的色彩构成主义在室内设计、家具设计、产品设计和服装设计领域的应用

风格派另外一个代表人物是里特维尔德。里特维尔德（1888-1964年）是荷兰著名建筑师和设计师，他一生完成了215个家具设计、232个建筑设计，以及249个室内、平面等方面的设计。他未受过正规的建筑和设计职业教育，所有的设计经验都是在工作中积累的。受风格派画家的影响，里特维尔德从20世纪20年代初就开始尝试在家具和建筑设计中将原色与黑白灰相结合。他运用原色的理念是“色彩必须跟随形式，甚至强于形式”。他成功地重构了家具和建筑设计的“语言”。这一时期，他把1917年设计的椅子做了修改，并赋予色彩，黑色用于构架，黄色用在端头，而红和蓝分别用在椅背和椅面，他把这种椅子命名为“红蓝椅”。红蓝椅自问世以来便被设计界推崇备至，究其原因，不是由于它的实用性，更多的是设计本身的象征性和形式的表现力。结构的组合方式极为简单，材料的剪裁采用最基本的长方体，色彩采用纯粹的原色，没有多余的装饰，也不用额外的附件，红蓝椅完完全全呈现出一种原始的状态。这种原始的简约、原色的纯粹正是风格派艺术的典型特征。红蓝椅成为古典家具和现代家具的分水岭，并成为20世纪现代设计的典范之一。

里特维尔德的第一个建筑设计委托是1924年为施罗德夫人在乌得勒支郊区设计一栋住宅，这也是风格派第一次实现他们的建筑理念。施罗德住宅的建筑外部由各种尺寸的灰色和白色平面部件构成，并结合黑色和其他原色的水平和垂直构件。这种被称为“要素主义”的设计方式模糊了室内与室外的空间划分。施罗德住宅好像一幅立体的几何抽象画，墙体与楼板的穿插，空间的模糊渗透，非对称的分割，精妙的比例，看似简单的一栋住宅却蕴含丰富的变化。

里特维尔德的设计作品如图1-8～图1-9所示。

图1-8　里特维尔德的设计作品——红蓝椅

图1-9　里特维尔德的设计作品——施罗德住宅

设计构成作为现代设计的理念是在德国包豪斯学院的设计教育中确立的。包豪斯学院于1919年由德国著名建筑师、设计理论家格罗皮乌斯（图1-10）创建，这里集中了20世纪初欧洲各国对于设计的新探索与试验成果，特别是将荷兰风格派运动和俄国构成主义运动的成果加以发展和完善，成为集欧洲现代主义设计运动大成的中心，它把欧洲的现代主义设计运动推到一个空前的高度。

包豪斯建立了以观念和解决问题为中心的设计体系。这种设计体系强调对美学、心理学、工程学和材料学进行科学的研究，用科学的方式将艺术分解成点、线、面以及空间、色彩等基本元素。它寻求的是形态之间的组合关系，使艺术脱离了传统的装饰手段，从而充分运用构成抽象地表现客观世界。

包豪斯所创造的作品既是艺术的，又是科学的，既是设计的，又是实用的，同时还能够大批量生产制造。包豪斯学院的学生不但要学习设计、造型和材料，还要学习绘图、构图和制作。学院里有一系列的生产车间和作坊，如木工车间、砖石车间、钢材车间、陶瓷车间等，以便学生将自己的设计作品制作出来。包豪斯学院既聘请艺术家担任讲师和教授（如康定斯基、伊顿、克利等艺术大师），又聘请许多技艺高超的工匠担任生产车间和作坊里的师傅。这种将技术与艺术相结合的教学模式，奠定了现代设计教育的基础（图1-11、图1-12）。

包豪斯学院的师生代表作品如图1-13～图1-16所示。

图1-10　格罗皮乌斯像

图1-11　格罗皮乌斯设计的包豪斯校舍

图1-12　包豪斯的一堂基础构成课

图1-13　《粉色的音调》康定斯基　作

图1-14　《点线面协奏曲》康定斯基　作

在设计构成的发展进程中，对其理论体系完善产生重要影响的是立体主义画派。其后，许多当代的艺术流派纷纷借鉴和融合了构成艺术设计理论，创造出了众多艺术表现形式，极大地丰富了艺术表现的内涵。其中较有影响力的艺术流派和艺术表现形式有立体主义画派、抽象表现主义派、波普艺术、涂鸦艺术和装置艺术等。

（1）立体主义画派。

立体主义画派是西方现代艺术史上的一个运动和流派，主要追求一种几何形体的美，追求形式的排列组合所产生的美感。它否定了从一个视点观察事物和表现事物的传统方法，把三维空间的画面归结成平面的、二维空间的画面，强调由直线和曲线构成物体的轮廓，并利用块面堆积与交错的手法制造画面的趣味和情调。

立体主义画派在反传统的口号下具有较强的形式主义倾向，但它在艺术形式上的探索，又给现代工艺美术、装饰美术和建筑美术等注重形式美的实用艺术领域不小的推动和借鉴。其代表人物有毕加索、勃拉克、格莱兹、莱歇等，他们的作品如图1-17

～图1-22所示。

毕加索是立体主义画派最重要的画家，他主张用圆柱体、球体和圆锥体来处理物象，把物体形态归纳为几何形状。同时主张从多个视点去观察和描写事物，以表现和揭示对象的形状、结构、外观和内部特征，并把不同视图在同一平面上并置表现出来，使二维平面的绘画展现出时间上的连续性。如正面与侧面形象交错共存，各部位形象脱离原有具象形正常的位置，按照作者主观的意愿重新组织与编排等。其作品是“重新组合再构成”创作思路及造型手段的典型例子。

图1-15　《和谐之物》　克利　作

图1-16　《花朵盛开》　克利　作

图1-17　立体主义画家毕加索的作品一

图1-18　立体主义画家毕加索的作品二

图1-19　立体主义画家勃拉克的作品

图1-20　立体主义画家格莱兹的作品

图1-21　立体主义画家莱歇的作品一

图1-22　立体主义画家莱歇的作品二

（2）抽象表现主义派。

抽象表现主义（abstract e×pressionism）这个词最早是德国艺术批评家在评述康定斯基的绘画作品时使用的，1950年开始用以界定第二次世界大战后流行于美国的非几何性抽象艺术。其作品构图没有中心，篇幅较满，以线条、痕迹和斑点为符号，表现作者的主观意识。画面展现出特有的笔触、质感，以及强烈的动作效果。画家往往利用作画中的偶然事故，表现作品与作者间接的、意想不到的关系。抽象表现主义绘画使美国现代绘画第一次获得世界绘画的领导权。代表画家有米罗、波洛克、德库宁等。

杰克逊·波洛克（Jackson Pollock，1912-1956年）出生于美国，是重要的抽象表现主义画家。他把自己的作品题材解释为绘画自身的行动。他运用滴色或泼洒的方法来作画，即把画布放在地上或墙上，然后将罐子里的颜料自由而随性地往画布上倾倒或滴洒，任其在画布上滴流，创造出纵横交错的抽象线条效果。这些颜料组成的图案具有激动人心的活力，记录了他作画时直接的身体运动，他的创作过程并没有事先准备，只是由一系列即兴的行动完成（图1-23）。他在《我的绘画》一文中说道：“当我作画时，我不知道自己在做什么。只有经过一段时间后，我才看到自己在做什么。我不怕反复改动或者破坏形象，因为绘画有自己的生命，我力求让这种生命出现。”他的这种作画方法后来被称为行动绘画或抽象表现主义绘画。

抽象表现主义绘画和设计作品如图1-24～图1-28所示。

图1-23　波洛克在作画

图1-24　《洞穴中的小鸟Ⅱ》米罗　1971年　作　（162.5×130.5cm巴塞罗那米罗基金会美术馆藏）

图1-25　《荷兰室内》　米罗　作

图1-26　波洛克的抽象表现主义绘画

图1-27　《1950年32号作品》波洛克1950年　作

图1-28　《女人与自选车》德库宁　作

（3）波普艺术。

波普艺术（pop art）于20世纪50年代起源于英国，后流行于美国。“波普”一词是英国评论家阿洛威于1954年创造的，意为大众化、流行化、受欢迎。波普艺术又叫流行艺术、大众艺术或通俗艺术，波普艺术的出现是工业化社会的体现。1952年底，伦敦当代艺术学院成立了一个独立集团，共同致力于对“大众文化”的关注，并讨论如何把它引入美学领域中来。而所谓“大众文化”就是指商品电视、广告宣传等大众宣传群媒介。他们一致努力要把这种大众文化从娱乐消遣、商品意识的圈子中挖掘出来，上升到美的范畴中去。波普艺术家利用废品、实物、照片等组成画面，再用颜色进行拼合，以打破传统的绘画、雕塑与工艺的界限。安迪·沃霍尔、罗波特·劳申伯格都是波普艺术的代表人物。

安迪·沃霍尔（Andy Warhol，1928-1987年）是波普艺术的倡导者和领袖，出生于美国宾州的匹兹堡，是捷克移民的后裔。安迪·沃霍尔从小酷爱绘画，喜欢看电影、杂志和连环画，在1945-1949年就读于卡内基工学院（卡耐基梅隆大学前身），1949年毕业后来到纽约，敏感的天性和精致的手艺使他成为商业设计中的高手，以平面艺术家之姿在广告界中大放异彩。

安迪·沃霍尔被誉为20世纪艺术界的著名人物，也是对波普艺术影响最大的艺术家。20世纪60年代，他开始以日常物品作为作品的表现题材来反映美国的现实生活，他喜欢完全取消艺术创作的手工操作，经常直接将美钞、罐头盒、垃圾及名人照片一起贴在画布上，打破了高雅与通俗的界限。作为20世纪波普艺术最著名的代表人物，他的所有作品都用丝网印刷技术制作，形象可以无数次地重复，给画面带来一种特有的呆板效果。他偏爱重复和复制，对于他来说，没有“原作”可言，他的作品全是复制品，他就是要用无数的复制品来取代原作的地位。他有意地在画中消除个性与感情的色彩，不动声色地把再平凡不过的形象罗列出来。他有一句著名的格言：“我想成为一台机器。”实际上，安迪·沃霍尔画中特有的那种单调、无聊和重复，所传达的是某种冷漠、空虚、疏离的感觉，表现了当代高度发达的商业文明社会中人们内在的感情。

安迪·沃霍尔除了是波普艺术的领袖人物，还是电影制片人、作家、摇滚乐作曲者、出版商，是纽约社交界、艺术界大红大紫的明星式艺术家。1967年，女同性恋者维米莉·苏莲娜刺杀安迪·沃霍尔，此后他一直没有康复。1987年，安迪·沃霍尔死于外科手术。

波普艺术绘画和设计作品如图1-29～图1-33所示。

图1-29　《玛丽莲·梦露》安迪·沃霍尔　作

图1-30　《杰奎琳·肯尼迪》安迪·沃霍尔　作

图1-31　受波普艺术影响的建筑设计一

图1-32　 　受波普艺术影响的建筑设计二

图1-33　受波普艺术影响的室内设计

（4）涂鸦艺术。

“涂鸦”（graffiti）是指在墙上乱涂乱画的图像。它起源于20世纪60年代末的美国，涂鸦艺术的出现反映了美国社会贫富差距悬殊的现实，这种社会状况挑起了生活于社会底层的人们的一些不满与反叛，从而出现了一些街头篮球、街舞和涂鸦。涂鸦最早是由一些具有反叛精神的青少年发起的，他们蔑视正统，将世俗文化的碎片重新建构起来。涂鸦者最初将墙作为唯一介质，涂上自己的名字、门牌号或绰号，以文字多见。为了不让警察抓住，他们的签名只是一个简单的单词。后来，图画、符号和标志反过来压倒文字成为主导。不久，他们打起了地铁的主意，地铁车厢成了一个流动的涂鸦展览会。

涂鸦者大都来自社会底层，大部分人既不是艺术学院的学生也不是专业的艺术家，他们都有自己的想法，即使没有报酬，也心甘情愿地常年出现在纽约的黑夜里，为的只是第二天行人能看一眼自己的作品。涂鸦行为引起了社会媒体以及主流艺术文化界的注意，于是大型精致的卡通绘画图像出现，学院派也跟进，慢慢地涂鸦艺术不再是反文化、反社会的行为，而且加入了艺术成分，更加合法化，从地下走到了地上。这样涂鸦由原先的反文化艺术变成一个真正的艺术分支，成为与传统绘画拥有相同性质的一种艺术。1970-1980年举办了各种各样的涂鸦展览，代表人物有基思·哈林、让·米歇尔·巴斯奎亚特、肯尼·沙尔夫等。

基思·哈林（Keith Haring，1958-1990年）是美国著名的涂鸦艺术家，曾被视作安迪·沃霍尔的继承人。他曾在专门的视觉艺术学校学习，受过正规训练。他所描绘的艺术形象大多不经过修饰，直接通过自己的感受创作。就像他自己所说：“我的绘画从来都没有预先设计过。我从不画草图，即使是画巨型壁画也是如此。”基思·哈林的面画幽默活泼，让人过目不忘。他创造了一套可供公众交流的、富有个人特色的卡通语言系统：发光的儿童、狂吠的狗、电视、太空船、飞碟、电话、爆炸的原子弹等。从1980年起，他开始在纽约地铁里的空白广告牌上画商标式样的人物，10年中，共创作了5000张地铁画。他的观众有老人、儿童和青年。他绘制了大量具有自己绘画特色的素描、印刷品、油画、雕塑、壁画、T恤衫、纽扣和旗帜。他以安迪·沃霍尔为榜样，使自己成了一个时髦的名人和成功的企业家，并成立了哈林基金会帮助艾滋病患者及儿童。1990年，31岁的基思·哈林因艾滋病去世。

涂鸦艺术作品如图1-34～图1-35所示。

（5）装置艺术。

图1-34　基思·哈林的涂鸦作品

装置艺术（installation art）本身是建筑学术语，后泛指被拼贴、移动、拆卸后重新设置的艺术形式。21世纪初这个词汇又被引入美术领域，指那些与传统美术形态完全不同的作品。

装置艺术兴起于20世纪60年代，但在1942年“国际超现实主义展”的展厅里，已经有了装置艺术的痕迹。被称为早期装置艺术的是克莱因1958年创作的《虚空》，空白的展厅里，墙上没有一幅画，使观众置身于一片虚无之中。装置艺术就是这样一种独特的艺术形式，它需要观赏者参与其中，并且使每一位观赏者获得不同的感受。美国艺术批评家安东尼对装置艺术如此引人注目这样解释：“按照解构主义艺术家的观点，世界就是文本，装置艺术可以被看作这种观念的完美宣示。但装置的意象，就连创作它的艺术家也无法完全把握。因此，‘读者’能自由地根据自己的理解进行解读。装置艺术家创造了另一个世界，它是一个自我的宇宙，既陌生，又似曾相识。观众不得不自己寻找走出这微缩宇宙的途径。装置所创造的新奇的环境，引发观众的记忆，产生以记忆形式出现的经验，观众借助于自己的理解，又进一步强化这种经验。其结果是‘文本’的写作，得到了观众的帮助。就装置本身而言，它们仅仅是容器而已，能容纳任何‘作者’和‘读者’希望放入的内容。因此，装置艺术可以作为最顺手的媒介，用来表达社会的政治或者个人的内容。”

装置艺术不受艺术门类的限制，综合地使用绘画、雕塑、建筑、音乐、戏剧、诗歌、散文、电影、电视、录音、录像、摄影、诗歌等任何能够使用的手段，可以说装置艺术是一种开放的艺术。装置艺术与科技的关系较密切，艺术家利用灯光、颜色、声响等视觉和听觉效果来影响人的心理，用心理空间来替代实用的和物理的建筑空间。装置艺术否定艺术品的永恒性质，其作品只做短期展览，极少被博物馆收藏。

装置艺术作品如图1-36～图1-38所示。

图1-35　国外涂鸦作品

图1-36　《宇宙垃圾》　简·丁克利　作

图1-37　《大地包裹艺术》　克里斯托　作

图1-38　《赤裸的生命》　艾未未　作

三、学习任务小结

本节初步了解了设计构成的基本概念和发展历程，也认识了历史上推动设计构成艺术发展的主要艺术流派。课后，同学们还应通过各种渠道多搜集关于设计构成艺术流派的资料和信息，并进行分类整理，找出不同流派代表艺术家的代表作品进行深入研究，分析其艺术特点，理解其审美特征，全面提升自己的艺术品位。

四、课后作业

（1）搜集10幅毕加索立体主义时期作品，制作成PPT。

（2）搜集10幅包豪斯家具设计和绘画作品，制作成PPT。