技巧的重要性：学习和运用演艺技巧释放创造力

只有才华是不够的

演戏是一门技艺，故存在需要娴熟掌握的技巧。如果你没有掌握精湛的技巧，即使天赋出众，也不会拥有成功的演艺事业。

一套好的技巧就像是一张安全网，能保护你维持在一定水准上而不跌落。你不一定每一次表演都能做到最好，但是拥有好的技巧能让你永远看起来很专业。技巧通过学习而来，必须加以练习。你不能只是在一场表演中随意发挥，然后期待它一定会是精彩的。偶尔的随意发挥可能奏效，但是大多数时候不会。选角导演不会给搞砸过的演员另一次机会，因为你令他们在雇主——制片人和导演——面前难堪。

一套精湛的技巧能释放你的创造力。如果你担心自己的走位，抑或头发是否会挡眼睛，那么你就不能在演出时发挥最佳水平;如果你不知道如何正确地握剧本，你就不能在试镜时发挥到最好。一套好技巧的内容之一是，知道如何在片场或者舞台上驾驭自己。

你的声音

不要因为觉得在镜头前表演需要“真实”，就让自己用一种不自然的低音量说话。实际上这样的你无趣且完全不真实。在我的课堂上，为了让我的学生们理解我的观点，我会带着能量说话，这是因为我足够在乎我的学生。你必须足够在乎你的搭档，从而充分地发出你的声音。如果你需要轻声说话，那么就用上情感的强度，来弥补你的小声。

演员们，甚至是导演们都可能认为，呼吸声中的寂静感能让表演更具情感和真实性。而事实是，如果不使用你最自然的音量，你就无法全力承担起你的“奋力争取”。呼吸声很快就会惹人厌烦。

一些导演容许甚至鼓励呼吸声。一个很好的例子是《梦幻岛》(Neverland)。你可能享受这部电影，但试着回头再看一次，然后看看你会不会也认同里面的演员当时应该使用他们的真实声音。我认为里面的呼吸声并不讨喜。看看《追风筝的人》(Kite Runner)，如果演员当时被要求使用他们全部的声音和能量的话，里面的许多场戏都可以变得更有戏剧张力、更加吸引人和更令人感动。

许多女人在生气或者激动的时候会发出尖锐的声音，但这种尖叫声比呼吸声更令人厌烦。让他人帮忙检查你的音调吧。我们班上有一个女孩，不管我跟她说什么，她的声音总是在剧情紧张时变得尖细。有一天我告诉她，她这样子表现显得太女孩儿了，建议她尝试变得更有女人味一些。从那次开始，不仅她的声音听起来更好听了，连她的戏也变得更有力量了。现在她的搭档把她当回事儿了。

控制气息

我和我的学生开玩笑说，需要最多气息控制的作品类型是广告和莎士比亚戏剧。但是在这两个极端之间的其他作品类型的台词，也绝不应该因放松对气息的控制而受影响。

看看以下从莎士比亚的《第十二夜》(TwelfthNight)中截取的剧本片段，这是剧本的开头。公爵正在问凡伦丁关于他爱的女人奥利维亚的消息。凡伦丁回答道:

启禀殿下，他们不让我进去;

但从她的侍女嘴里传来了这一个答复:

除非再过七个寒暑，就是青天也不能窥见她的全貌;

她要像修女一样，蒙着面幕而行，

每天用辛酸的眼泪浇洒她的卧室。

这一切都是为着纪念对于死去的哥哥的爱，

她要把对哥哥的爱永远活生生地保留在她悲伤的记忆里。

现在，重读这段话，留意其中可以换气(而不打扰诗歌的节奏和句子的意思)的几个地方。

启禀殿下，他们不让我进去;

但从她的侍女嘴里传来了这一个答复:(换气)

除非再过七个寒暑，就是青天也不能窥见她的全貌;(换气)

她要像修女一样，蒙着面幕而行，(这里不能换气，因为“行”和“眼泪”并列)

每天用辛酸的眼泪浇洒她的卧室。(换气)

这一切都是为着纪念对于死去的哥哥的爱，

她要把对哥哥的爱永远活生生地保留在她悲伤的记忆里。(换气)

现在让我们看看这则广告:

海盐皂由大海中最纯净的成分组成，被打造成一块适合你个人肤质的洗脸皂。(换气)如果你使用这种香皂，你将体会到你从未见过的柔软、亮泽和容光焕发。(换气)

不要在除了这两句台词中间的其他任何地方换气。记住，广告剧本是广告委员会写的，每一个字的背后都是价值成千上万美金的调研。要把每一个字都说得值那个价。

当你正确换气时，你投入了更多的精力，这样能使你的声音更饱满、更有深度。

如何哭和笑

我在自己的课堂上教授笑与哭的技巧，以使我的学生即便将同一场戏演了十遍，感到灵感枯竭之后，仍然能够自信地重来。我都记不清我的学生们打过多少次电话来告诉我，这些技巧在片场拯救了他们。

笑通常是容易的......在刚开始的时候。但有时你的笑会干掉。如果你被要求不断地笑，你会感觉缺氧，抑或觉得假或者不好笑了。

你可能觉得有义务在每一次重复演一场戏时，都流下真实的眼泪。可这在有的情况下是不可能的。你需要一套好技巧来保底。

放声大笑的技巧

把笑想作是强烈的呼气:哈，哈，哈。空气在瞬间被释放出。在笑声干掉和感觉缺氧时，补救办法是:使用空气来“喂养”笑声。在你的笑声干掉之前，大口吸进很多口气，然后呼出。

在镜子前练习怎么笑。观察怎么笑看起来有趣，观察怎么笑看起来自然。学习如何不需要动机也能在一瞬间笑出来。学习如何借由吸气“喂养”你的笑声。女演员应该注意笑声不要太尖利。

当我在课堂上教学生做笑声练习时，我会一次只让一个演员笑。但是当我环顾教室时，其他的学生也在笑。即使笑声不由有趣事件引发，它也是有感染力的。学习笑的技巧，你就会变得更好笑，你的笑声也会更加自然，因为你不再担心笑得假或者是笑得干。

大多数笑声都不是放声大笑的笑声。浅笑掩盖尴尬。社交性的笑掩饰不适。笑可以释放紧张或者礼貌地表示不相信。你在表演中放入越多的笑声，表演就会越饱满。寻找现实生活中人们如何和为何而笑。你会惊讶地发现，只有很少的时候笑和有喜剧感的事情是有联系的。

哭的技巧

最重要的事情是从“必须流下真实的泪水”中解放你自己。对于大多数演员来说，一遍又一遍地流下真实的泪水是不可能的。如果

这是一个特写镜头且导演需要真实的泪水，你可以使用甘油(glycerin)或者其他类似的方法(提前让剧组准备好)让你看起来像在哭，即使并没有眼泪从两颊流下。在舞台上，如果你的哭戏令人信服，那么你不需要真实的眼泪。

哭使用和笑相反的呼吸方法。空气是被带进来的，就好像你在努力忍住泪水。现在试试看。你会感觉简直像是在打哈欠。接着，找到你的脸上表现哭泣的地方。举个例子，我的嘴角会在我哭的时候下垂。有些人则感觉眼睛皱缩或者嘴巴收紧。

TIP 不要一直哭。每一次的啜泣或者流泪都是对于新想法或新信息的反应。

TIP 如果你想要通过想起什么来让你流下真实的泪水，我建议你想象令人伤心的新境遇。想想你最好的朋友遇上空难了，或者想想你的弟弟走失了。不要想起已经死去的某个人，因为你已整理过这场死亡带来的情绪了。我和我的学生说，“杀一个‘新鲜’的人”。(另外，有些演员受过情感记忆的训练，这意味着你能通过进入一段旧的悲伤记忆而流泪。使用对自己最有效的方法。)

现在假装你在一场葬礼上哭。你内心绝望，但此时你不应该放声大哭，因为会吸引旁人侧目。在镜子里观察怎么样看起来是对的。认真练习这个技巧。当你做这个练习时，你不需要感觉到任何东西。找一个朋友和你一起做这个练习。你们俩都会惊讶地发现干哭也能看起来那么真实。

啜泣可以使用笑的呼气技巧。不要发出尖叫声。用更低的音调去啜泣。再次提醒，你没有义务必须感觉到任何东西。就在镜子前练习哭的技巧，直到你能自信地认为它看起来是自然的。当然，如果你能产生真实的泪水，那是更好的情况。有些演员确实比其他演员更有天赋。

一些演员使用“逼自己忍住泪水”的技巧，这样也能让他们看起来在哭。

做到想哭就哭、想笑就笑的好处是，一旦加上戏中的情境，你技巧性的眼泪和笑声就会奇迹般地变得真实。你的假眼泪可以成为真眼泪，正如你的假笑声能够成为真笑声一样。这都是因为娴熟掌握技巧把“需要看起来真实”的压力和担心带走了。

TIP 如果你痛哭流涕，观众会为你感到遗憾。如果你忍住泪水，观众则会为了你的勇敢而流下他们的泪水。

TIP 不要捂脸。在生活中我们哭的时候会因为羞愧而转身或捂脸，但是演员需要展现自己的脸蛋。在我的课堂上，我告诉学生们要给观众看见“裸脸”。(笑的时候也不要捂嘴。)

使你的眼泪更具体

我曾在一部喜剧中看到过一个女演员，她戏中的搭档正在和她闹分手。她的搭档有大段台词，但是这个女演员只有哭和啜泣的戏份。这个角色多难演啊——但是被她演得非常风趣。这场戏的陷阱是——哭成为自始至终贯穿整场戏的“糖浆”，一成不变，毫无起伏可言，更无法制造出喜剧效果。但这个女演员把她的每一个啜泣和反应都做得精确且具体，让观众为她忍俊不禁。每当她的搭档说了新词，这个女演员就会为此做出针对性的反应。当她为听到的新信息感到难受时，她会扑向床;当她听到自己的伴侣曾经出过轨时，她抽搐并且更大声地啜泣。在结尾处，当她的搭档即将离开她时，她喊了出来。观众也发出了呐喊——笑的呐喊，因为每一次啜泣都是如此具体，体现了她对某一个发现或者事件做出的反应。

TIP 抹去你真实的泪水，正如生活中我们会做的一样。不要为了完成“流下泪水”这项成就而任由它们从两颊流下，就好像你为它们感到自豪一样。

冷读(亦称试镜)的技巧

很多人对冷读有一个误解，觉得冷读是非常“冷”的，好像你之前从没读过剧本，而且你在不知道这个故事线的情况下，就跳进来演了。永远不要在你没有仔仔细细研究过剧本的情况下，给选角导演念剧本。如果你无法在面试之前拿到剧本，那就利用前面演员试镜的时间，自己做好准备。不要让任何人催你。

冷读有许多规矩。你必须条条都遵守。

1.用一只手拿着剧本，让它稍微离开你的身体，然后固定在那里。我把这叫作“浮起剧本”。不要让剧本时上时下，在你每说完一句台词时就碰到大腿，不然选角导演的注意力会放在剧本上，而不是你身上。如果你握着剧本让它不动，它就会在选角导演面前隐形。不要把剧本放在桌子上或者你的大腿上，不然你的注意力会在下方，而不是在你的搭档身上。

2.即使你已经背下台词，还是要握着剧本，并且时不时瞄一下它。如果你完全不瞄剧本，选角导演会对你的表演有更高的期待。同时你也可能会因为紧张而漏掉台词。知道剧本就在触手可及的地方能让人心安。

3.如果你是坐着试镜的，那么当你表演的时候，不要把你的手臂放在自己的腿上。男演员尤其有这个倾向。我曾经留意到男演员让自己的手臂靠在大腿上，并且整场戏下来都让它们黏着大腿。如果你弯腰驼背，那么你的腹部肌肉也不会是收紧着的。你会流失能量。集中精力，浮起剧本!

4.不要让你的手臂靠在椅背或者沙发上。一旦你开始表演，你会感觉自己的手臂无法从家具上移开。不管情境是什么，你都应该集中精力地“奋力争取”你想要的东西，以至于你根本不会让身体的任何一个部位放松。

5.如果你能选择坐着演或者站着演，请永远选择站着演。你会拥有更多走动的自由，并且精力会更饱满。如果你演的是一场饭店里的戏，让你必须坐着，那就收紧臀部地坐着。不要整个人靠在座位上，除非你需要故意这样坐，去达到某种目的。集中精力，坐直。

6.不要在你的搭档说话时低头找自己的台词。把最多的注意力给予你的搭档或者对剧本的人(reader)。如果你问了搭档一个问题，那么直到你的搭档回答完之前，都不要看剧本。永远不要对着剧本念自己的台词。你必须学习如何在一瞬间从纸上扫过台词，并且记住台词的位置，在说下一句台词时不需要搜寻它。一些演员会使用移动大拇指的技巧。他们的大拇指会跟着自己的表演内容往下移。同时，使用马克笔来标注你的台词。当那些还没有学习过一套完美的冷读技巧的学生来到我的课上时，我会让他们去镜子前练习冷读——在镜子前，不带表情地随便读任何东西，然后看看在多高的频率上和多长的时间内，你能够对上自己的眼神。每天两次，每次10分钟，连续坚持两周，应该就能让你成为一个流利的冷读者了。这项技巧必须要成为你的第二本能。在你完美地掌握它之前，你都无法自由地集中精力改变你的搭档。

7.当你在找你的台词时，确保自己不要丢失精力。如果你在大叫“我恨你”，不要在找你的下一句台词时丢失这个情感强度。带着你情感的能量，在剧本中找到你的台词。

8.如果你忘记自己演到了剧本中的什么地方，不要道歉，也不要通过做鬼脸来回应。永远不要说对不起。留在你的角色中，再一次找到你迷失的地方，然后继续表演。你可能会感觉当下是一个永恒的瞬间，但其实对于试镜官来说，仅仅是几秒钟。没有人会在乎你忘记了。这不会影响试镜的结果。也许压根没有人会留意到。但如果你把自己的失误表现出来了，那么每一个人都会反感。我曾经有一个朋友被迈克·尼科尔斯(Mike Nichols)叫去试镜。我朋友的剧本从手中滑落了，纸张散落一地。他继续表演，以戏中人物的身份把纸张捡了起来。你能想象试镜官们有多么欣赏他吗?

9.永远不要请求重新开始。这是令试镜官讨厌的行为。在我看过的所有试镜中，有许多演员请求重新开始，但是没有人的第二次表演展现出了新意。一个人都没有。重新开始是不专业的。这代表了你没有准备好。如果你搞砸了前几句台词，那就在后面奋起直追吧。

10.如果你足够幸运，在试镜时所对戏的是一位演员，而不只是对剧本的工作人员，而你在戏中又必须要拥抱的话，不要尝试在越过对方的肩膀时念台词。这看起来很尴尬，而且会让试镜官出戏。先做完拥抱或者接吻的动作，然后再念你的台词。

11.如果你被另外一个演员挡住镜头了，请通过自然地移动位置来解救你自己。在搭档的身后走动，直到和搭档平行(从舞台左边走向舞台右边)，这样一来你就不是背对观众了。对于经验丰富的演员来说，从被挡镜头中解救自己应是第二本能。

12.如果有必要的话，用一个黑色发夹(夹起头发)以让你的眼睛不被头发遮住。对于一个试镜官来说，没有比因为头发挡住了演员的脸而看不清这个演员更分散注意力的事情了。如果你仔细地夹了头发但仍然没有成功，头发还是掉在脸上的话，那么就带着戏中人物的情感状态，把头发拨开。我看到过太多的演员，他们在戏里明明和对方生着气，却轻柔地把自己的头发拨开。

13.让你四分之三的身体面向试镜官是很重要的。即使你在一间小办公室为电影或者电视剧试镜，你仍然需要看起来专业。你必须知道如何想办法面向前方，以让观众能够看见你。你会惊讶于有的职业演员都还不懂这个规矩。

14.如果你正在拍摄一个提前录制的试镜录像，不要直接看向镜头。应该看向镜头旁边大约五英寸的方向。

15.当你走进房间为一部电影或一部话剧试镜时，简单问候一下，然后就立即开始。(让问候保持简短。记住，他们想要回家。)

太多的演员沉溺于在表演前先“进入状态(taking a moment)”，他们背对选角导演，深深地呼一口气，然后大大地叹气。不要这样。这使试镜官感到乏味。你的准备工作必须在你进入房间之前做好。你必须知道你的“奋力争取”是什么。你必须知道你首句台词的行动是什么。你必须熟知所有的台词，并且背下你的首句台词。

在你问候完试镜官们后，你唯一需要做的就是开始你的表演。在现实生活中，你不需要先“等一下”再开始下一幕。假设你在超市，计划着如何提醒那个每天晚上大声地放音乐导致你无法入睡的讨厌邻居，而突然间，你见到你的邻居出现在隔壁的饮料专区中，你是不会冲着他先深呼吸几次，叩响你的关节，伸展你的肌肉来放松的。不会的。你会直接跑向他，然后告诉他你的想法。

16.如果在一场试镜中，你必须要打你的搭档，那就仅仅扇打他的手臂。这会体现出不错的冲击力，而且不会伤人。或者甩他的袖子。确保你事先和搭档商量好了。如果你和对剧本的人隔了一张桌子的话，扇打你椅子的把手，或者仅仅威胁要打人。

17.你可以安心地忽视所有的舞台指导信息。许多舞台指导信息是由舞台经理放进来的，是为了暗示之前的演员在一场表演中做过什么，而不是作者的想法。许多时候舞台指导会告诉你去叹气或者要看起来虚弱，而显然你不想要处在那个状态。舞台指导有时是重要的，但是永远不要提前假设你必须一成不变地遵循它们。

18.在一场试镜中，如果你必须要和一个道具互动，比方说一杯咖啡或者一根烟，使用完之后，没有必要把它们放回到一个想象中的桌子上去，直接忽视它就好了。在一场试镜中把太多的注意力放在道具上，会分散试镜官的注意力。他们不想看着你整场戏都拿着一个想象出来的道具。他们不是在寻找一位专业的哑剧演员。如果你必须要往你搭档的手指上套上戒指，大概做一下就可以了。如果你在之前的表演中说了或者暗示了房间的周围有椅子，即使你之后忘记它们在哪里，然后穿过了它们，也不会有什么问题的。

19.在试镜的结尾，保持住你说最后一句台词时的状态至少3秒钟，然后再结束，并且直接看向选角导演。(如果你在进行一场话剧表演，你也需要保持住几秒钟，然后再转向观众鞠躬。)永远不要表现出自认为你的表演不够好。不要对你的表演做出评价。微笑，说谢谢或者再见，然后就离开。除非他们称赞或者立即录取你，不然你是不会知道他们是怎么想的，所以不要纠结。

倾听

演员们经常虚假地倾听。他们点头、发出小小的惊讶声或者瞪大眼睛。我们一点都不相信他们。从“倾听时必须要做出表情”的义务中解脱出来。你不一定要有意识地展现出惊喜、不开心，或者好奇的表情。事实上，你不应该这么做。如果它自然地流露了，那是可以的。

观察人们怎样倾听。有时他们脸上的肌肉一点都不会动。只有他们的眼睛揭示了他们的专注力。你的搭档说的话，应该是你这辈子听过的最富有吸引力的事情。

如果你入神地倾听你的搭档说话，同时传递无声的信息，观众都不会意识到谁的台词更多。我一次又一次地向我的学生们证明了这一点。即使你不在说话，也要确保你的精力状态能匹配或者“盖过”你的搭档。持续地“发现”1。即使你连续两页还没有一句台词，也请专注地倾听你的搭档说的每一个词，并且做好在任何一秒打断他的准备。带着你的“奋力争取”和动机去倾听。即使另一个人正在说话，你仍然不放弃你想要的。认认真真地把对手演员说的话听进去，这样一来你就会发现，你已经等不及要打断他然后发表自己的观点了。

在你的搭档说话时，你所能做出的最差劲的事情就是等待。我经常看到一些演员在自己的搭档说独白时，只是干等着。他们的腹部肌肉不是收紧着的，他们只是被动地站着。这些演员还不够资格上黄金档。

抓住注意力——一开始就发出巨响

大家普遍有个误解，认为好演员需要在戏刚开始时演得平淡，以让之后有空间发挥。这不是真的!只要你想要，一开始就可以大爆发。抓住观众的注意力，然后回归平实，接着再次爆发。在生活中我们就是这样做的——荒谬地戏剧化一些事情，然后意识到自己是多么的愚蠢，接着面带微笑地道歉。你可以先尖叫、咆哮、发飙，然后意识到这些都没有帮助，转而使用更加理性的语气。一场戏，不一定是开始的时候小而结尾的时候大。让一场戏像剧烈波动的心电图一样，会更加有趣。

想象一下，你在一个派对上因为讨论政治话题而过于激动。你大喊出自己的观点，乐在其中，直到你意识到自己的行为让其他的客人厌烦。接着你让自己变得小声，或者可能自嘲一下，随后便感到难为情。你越来越小声，直到有人发表了一个让你实在无法忍受的观点。你再次站起身来，然后......

假设你的角色在剧本中的首句台词是:“我没有和你的丈夫出轨。”你可以选择带着怒火大喊出来，然后意识到你误解了你搭档的意思(失误)，于是你笑了，随后把事情解决了。然而此时你一定已经抓住观众的注意力了。

触摸

存在无数种方式的触摸。其中一种是情侣、兄弟姐妹、亲子之间随意的触摸。随意地靠在对方身上，或者轻微的拍打，意味着一段长时间的人物关系。

当我还是一个表演系的学生时，我看了一场关于两个女人在讨论她们即将破产的农场的戏。这场戏完成的质量很高，有着不错的节奏以及足够紧张的氛围。在评论环节，有人问，戏中的两个角色是否是同性恋人。虽然戏里并没有直接提及她们俩的关系，也没有性接触，但我在看时也想过她们可能是恋人。两个女演员回答说，她们的角色确实是一对爱人。为了让自己的肢体语言反映出人物关系，她们在表演之前做了关于人物关系的即兴表演练习。她们把非性指向的触摸做得非常漂亮，微妙地润色了这场戏。(这个例子也说明了在排练期间做即兴表演练习的重要性。)

另外一种触摸是“重要事件型触摸”。被爱人第一次触摸是一个重大事件。仅仅轻抚一下脸颊也可以很关键。一位少年在看电影时，伸出手去拉约会对象的手，就是在创造一个重要的事件。如果我把一根手指放在一个学生的膝盖上，同时继续授课，想象一下这个触摸会有多么不舒服和重要。这个学生可能会笑，他可能会问我在干什么。总之，他一定会留意而不是忽视这根手指。我经常在试镜中看到演员们在做出或者接受重要事件型触摸时不够专注，你不一定要看向你被触摸的身体部位——这往往看起来很假，但你一定要意识到每一次的触摸。

TIP 永远不要在做出触摸动作，或者是被触摸的时候，忽视其重要性。

打断自己

如果你有一句即将被另外一个演员打断的台词，不要等着那个演员去打断你。这永远不会发生，除非你们一遍又一遍地排练过。在一场试镜中，你不能指望与你对剧本的人来打断你。确保自己不要做只有业余演员才会做出的事情——不自然地中断，然后等着另外一个演员去接上。不要用即将说出的话的口型来填满一句话。生活中我们时常在半路中断一句话。我们可能需要想出一个词，或者我们的注意力被分散了，又或者我们忘了刚才说的东西。选择其中一个表演思路，然后让表演流畅起来，以显得像一名专业演员。

举个例子，在亚历山大·佩恩(Alexander Payne)和吉姆·泰勒(Jim Taylor)编剧的电影《杯酒人生》(Sideways)中，迈尔斯正在和他的前妻维姬说话。迈尔斯仍然爱着前妻，她却已经和别人订婚了。迈尔斯说自己觉得他们之间的关系仍存希望。他这段话以两个重复的“我只是......”结束。

在第一个“我只是”后猛然地暂停，然后用力思考如何说完这句话。慢慢来，然后带着一个新的想法重新开始，这可能引导出一个全新的方向。在第二个“我只是”中，带着和第一次同样程度的专注和精力去思考你想说的是什么。

TIP 你挂断电话之后，不要盯着电话。只有演员会这样做。这看起来很假。在你听到一个坏消息之后，你可能会呆呆地往前看，去接收这个信息，或者你可能进入疯狂模式，去做些疯狂的事情。你不会盯着手机的。这看起来很假，我把做出这种表演的演员称为“冒牌演员”。

电话

当你的角色必须要和电话那头的人说话时，请花比你预想中更多的时间来倾听对方。给予电话那头那个想象中的人足够的时间去说话。放松下来，不要在对话时赶时间。找其他人帮你看看自己是否在赶时间。

用酒瓶喝酒

只有演员们才会直接拿起酒瓶喝一大口酒。即便最疯狂的酗酒者也会使用杯子。当然也会有例外，但是太多的演员认为直接用酒瓶喝酒会让他们看起来更加充满渴望。其实不然。这让他们看起来不真实。

当选角导演或者导演让你演得“收敛一些”时，该怎么做?

如果你跟着做了，这句话会摧毁你的表演。“噢不!我演得太过了。他们不相信我!”你的直觉反应是卸下你所有的能量，并且放弃你准备的功课。最后导演只得面对一个苍白的演员，而现场的所有人都会痛苦不堪。不要丢掉你正在做的一切!

首先，要意识到最伟大的导演或者选角导演都不会说这句话。他们的指导会比这个要具体并且有意义得多。

第二，不要丢掉你的情感强度或者你的“奋力争取”，不然你会变得不起眼、乏味和客套，然后疑惑为什么自己没有被雇用。

有几种方式可以让你完成导演的需求。

1.降低你的音量。也许仅仅是对于这个空间而言你太大声了。

2.在这场戏里找到你的脆弱点。成为一个更有脆弱感的人会让你自动柔软下来。

3.也许你不够接地气。重新与你的“奋力争取”产生共鸣。在情境里利用真实的自己。挖掘戏中的幽默。自嘲。作为戏中人物为自己过于大声而道歉。

一位有天赋的歌手用真声唱出一首歌能抓住观众的注意力，同一位歌手使用同样强度的能量，但换成柔和的唱法，仍然可以创造出同样吸引人的亲密感和魅力。

永远不要失去你的情感强度和内在能量。永远不要给自己已经选择的表演思路做改变或泼冷水。

如果导演为你示范台词

不要模仿导演!如果你模仿的话，你就听起来不像自己了。尝试去理解导演的意思是什么，然后把他想要的改变转换成某个具体的行动或者“奋力争取”。举个例子，如果导演生气地说这句台词:“你是进来呢，还是出去呢?”不要模仿他的语气。在这个例子里，你可以把他的示范转换成“奋力去恐吓你的搭档”。这样一来，这句台词就变成了一个有说服力的行动，而不是一个干巴巴的模仿。

导演是不应该为你示范台词的。他们应该围绕行动，给予你帮助性的建议。但是他们有时会压力缠身。导演身上背负着许多压力，逼迫他们要按时上交这部电影，所以有时他们必须赶时间。我也执导过

电影，虽然我熟知如何与演员沟通，但是有时我也会出于赶时间，在片场时的第一反应是为演员做示范。这是无可避免的。幸运的是，我的演员们都没有陷入“仅仅模仿导演的表演”的陷阱。

问题

当你的台词带有问题时，比如“啊?”“什么?”或者“嗯?”时，永远不要把它当作是你因为没有听清对方刚刚说了什么而问的。这是多么无聊的思路呀。什么样的编剧才会不带着某个好理由写出“什么?”呢?你应该做的是，使用这句台词去拖延或者逃避回答，抑或是争取时间思考。你的问题里会含有潜台词和更饱满的情绪。在你说“什么?”之前做出一个节顿。

永远不要问修饰性的问题。记住，为了等待搭档的回答而中断一下(节顿)，然后再意识到你不会得到答案。只有到这个时候你才能继续你接下来的台词。这个节顿能为剧情增加紧张感。

悄悄话

如果你必须轻声说话(除非你尝试表现得格外安静)，给予这个悄悄话一些音量，让它不只是气声，这能给予它强度和力量。想象一下，你对搭档极其生气，只是旁边有许多人在场。不要只是说悄悄话，用上你的腹肌和丹田，从而让你的悄悄话出自整个身体而不仅仅来自口腔。

说谎

不要给观众发出“我在撒谎”的信号。在生活中，我们都是说谎专家。“苏珊，你的裤子简直太合身了!”

TIP 永远精彩地撒谎。

熟知术语

在电影和舞台表演中，有许多专有词汇、术语和职位名称。熟知它们，会让你看上去很专业。

剧本选段(Sides):从剧本中挑出来的某段台词，用来试镜。

舞台后方(Upstage)和舞台前方(Downstage):以前的舞台是有坡度的，而舞台后方比舞台前方要更高。(舞台前方离观众更近。)

舞台右侧(Stag eright)和舞台左侧(Stage left):演员在舞台上面对观众时的视角。一个导演可能会说:“走向舞台后方，到你搭档的左侧。”

第四堵墙(the Fourth Wall):舞台上虚构出来的墙。这是你和观众之间的“一堵墙”。你应该让所有类似镜子和门这样的舞台道具都背靠这堵墙。打个比方，当你在化妆时，你看向的是虚构中的镜子。这会让你保持面对观众，也能让观众看到你。

打板(Slate):作为动词，“打板”的意思是，你在录制试镜之前说出自己的名字(时常还应包括你的经纪公司的名字;你可以问是否需要这些)。打板的时候直视镜头。作为名词，“打板”是指镜头开拍前，场记记录这场戏相关信息的一块板。

集合时间(Call time):你需要到达片场的时刻。

就餐服务(Craft service):片场(拍戏的地方)上的零食。就餐服务区域是一片人们聚集和聊天的空间。就餐服务是一份全职工作。片场上永远都有足够的食物。

杀青(It’s a wrap):当天的拍摄已结束。你可以回家了。

魔术时刻(Magic hour):黎明或黄昏前后的时间。这时的光线完美，而剧组必须赶在这特殊的光线消失之前结束拍摄。

午餐(Lunch):集合时间六个小时之后的正餐。这意味着你可能会在凌晨2点吃“午餐”。除了成本非常小的电影之外，午餐一般是拥有很多主菜选项的正餐。

人肉布偶(Meat puppets)或者会吃饭的道具(Props that eat):剧组人员描述跑龙套演员的词。(不是很友好，但是我希望你看到这里时在笑。)

完成了一天(Make the day):完成了当日计划中的所有拍摄任务。

镜头术语

主镜头(Master shot):涵盖了所有行动和人物的全景(WideShot)画面。

双人镜头(Two shot):镜头涵盖两个人的画面。一般此时的镜头主要是在人物的面部上，但也不一定。你应该问清楚镜头画面会有多紧凑。

特写镜头(Close-up或CU):非常紧凑、只照到人脸的特写画面。每一次眼部的运动或者唇部做出的任何动作都会被放大，所以不要做任何和剧情不相关的动作。你可能会被要求为同一场戏分别拍主镜头、双人镜头和特写镜头，以便剪辑师有多种选择。

插入镜头(Inserts):任何对话中提及的或者和故事相关的镜头，比如一只手或者一个花瓶等。举个例子，如果一个护士正在打针，那么就可以拍一个“针管进入皮肤”的插入镜头。一个插入镜头还可能是在桌子上的一杯咖啡、一份离婚协议或者是一只被遗弃的鞋。对于剪辑师来说，插入镜头是有价值的，因为它们能帮助剪辑师有机会去强调一个动作或者一个关键点。插入镜头同时能让剪辑师切换主动作画面，以玩转时间和空间，要么剪掉对话和动作，要么延长或者缩短时间。举个例子，如果一个剪辑师想要剪掉一部分的对话，他可以放入一个插入镜头，然后在不影响流畅性的前提下，再让画面回到人物身上。

手持(Handheld):摄像机由摄影师用手来掌控，而不是放在支架上。摄影师往往跟随演员的动作进行拍摄。手持摄像为一场戏增加了另一个角度。

主观镜头(POV):Point of View的缩写，指镜头展示某个人物的主观视角。

分镜

一套分镜(a shot list)是指一场戏里导演想要的所有镜头的集合。以下是我之前执导的一部叫《石头之头》(Rockheads)的电影的第一场戏的分镜。这场戏一开始的动作是一个旅客在胡同里，坐在一辆购物车旁，无聊地玩着她的口香糖。我让她把口香糖卷成一个球，然后把口香糖球放在购物车内的养生汤罐子里。接着她听到了一声巨响，然后一个人坠落到了她旁边的一辆车上。她跳起来看向那个人。她看见了一个装满钱的行李箱摊在地上。她抬头看向面前的办公楼，好确认有没有人往下看。她简短地和面前这位奄奄一息的男人对话，而男人告诉她拿钱逃跑。她抓起钱箱，把它们放进购物车里，然后往胡同深处跑。

以下是我们为这一系列的动作所设计的真实分镜。演员们应该理解完成一场动作如此复杂的戏需要拍摄多少个镜头，所以应该随时准备好，一遍一遍地演同一场戏，以便摄影师从不同的角度进行拍摄。

第一场戏的分镜

1.从“泰茜把口香糖拉长”的特写镜头拓宽至主镜头。2.泰茜的特写。

3.泰茜的主观镜头，看到大楼窗户里没有人。

4.泰茜的主观镜头，手持拍摄车上的男人。

5.车上男人的特写和他的台词。

6.泰茜的主观镜头:地上的钱。

7.泰茜跑进胡同深处。全景。她加快速度。她回头看。8.中景:泰茜跑向胡同深处，再回头看，然后加速。

插入镜头

•手把口香糖卷成球。

•从行李箱里掉出钱。

•手把卷好的口香糖球放在一个塞了半罐口香糖球的罐子里。

•手把卷好的口香糖球放在一个几乎塞满了口香糖球的罐子里。

(展示时间的流逝)

这场戏花了三个小时左右完成，从早上8:30的集合时间开始。这个时间包括了妆发、摄像、声音布置和排练。

画外音(VO):voice-over的缩写。是指一段在录音棚里录好的声音，然后被加到一场戏中。在剧本中它会以“OS”(Off Screen，“屏幕外”的缩写)的形式出现。

自动对白重置(ADR):演员在录音棚里重新录制一段他们在片场已经完成过的对白。这也叫作重录(looping)。有时片场录好的声音是无法使用的。演员们重录时必须要对上他们表演时的口型。

移动摄影车(Dolly):一个看起来像一辆小车一样的平台。摄像机被架在移动摄影车上，由器械师来操控。他可以在任何一种平面上操作，但是一般来说，移动摄影车是放在滑轨上的，以创造出一个移动的镜头。

闪光灯(“Flash”):当你在片场拍一张带闪光灯的照片时说的话，这样剧组人员就不会认为是一盏灯烧坏了。

蒙太奇(Montage):一系列的镜头。如果一个女人正在打扮自己，那么就会有一系列她穿上鞋子、戴上帽子、涂上唇膏等镜头。一套蒙太奇也可以是一对幸福的情侣在餐厅里吃饭、在海滩上接吻、在公园里手拉手散步。在电影里，蒙太奇起到加快一系列行动的作用，比如穿衣打扮的过程或者坠入爱河的过程。一套蒙太奇不是单一持续性动作。

切到(Cutto):一个剧本标注，意思是从一场戏突然切到另外一场戏。

淡入(Fadein)和淡出(Fadeout):电影术语。举个例子，画面中一对情侣正在接吻，然后画面淡出到他们在床上的场景。你可以淡入一个小孩第一次被带入教室的画面，接着画面可以淡出，然后下一个镜头是小孩开心地在操场上玩的画面。

监视器(Monitor):一个监视器是一个像电视机一样的屏幕，便于导演用来监视拍摄效果。

线上(Above the line):在电影放映时，名字是在电影开始前就滚动显示出来的人——制片人、导演、编剧和演员。

线下(Below the line):剧组各部门的总监和他们的工作人员。在电影放映时，他们的名字出现在电影结束之后。

职位

导演(Director):你可能认为演员至少知道导演是做什么的，但是之前我和一个著名女演员的一次工作经历让我大吃一惊。有一天，因为她在一场情感戏里表现得不够出色，所以我现场喊了“卡”。当我和她探讨她的表演时，她跟我说:“我不会告诉你如何执导作品，所以你也不要告诉我如何表演。”她的为人并不像这句话一样刻薄，但是她的话展现了她并不知道导演是做什么的，即使她在电影行业工作的时间已经很久了。

导演对剧本有总体构想。他(或者她，但是女性导演在这个产业里没有占据平等的数量)和摄影师讨论一部片子在视觉上应该是怎么样的。导演可能会要求更暗的灯光或者是使用某一种主色调。导演决定摄影机在某场戏里是设定不动的机位，还是手持。导演和摄影师紧密地合作，但最终还是由导演来决定整部电影的视觉和摄像机的走位。

导演也同时监督戏服、布景、拍摄场地，甚至化妆。当我还是一个演员的时候，我在梅尔·布鲁克斯(Mel Brooks)的一部电影里饰演一只猫母亲。我们是一个未来主义的家庭，一半猫一半人类。(我们的部分之后被剪掉了)。梅尔·布鲁克斯走进化妆车内，当他看到我时，他只说了一句话:“她看起来真怪。”后来我的朋友说我当时应该回答他“你也看起来不怎么样”。但这里的重点是，导演为电影的每一个部分负责，即使是化妆。

在电影行业里，导演通过他的摄影师或者他的制片经理来雇用大多数的工作人员。一般来说，电影剧组的工作人员都已经一起合作过多部电影。克林特·伊斯特伍德(Clint Eastwood)以与自己的工作人员保持长期合作关系而出名。他的电影《百万美元宝贝》(Million Dollar Baby)的美工设计师已经90多岁了。在电视行业中，剧组工作人员一般总是一起合作，而只有导演或者一些演员是在每一季中新加入的。

在选角导演的帮助下，导演同时负责试镜和雇用演员们，虽然制片人会给导演推荐演员。导演负责激发演员们做出他想要的表演。但导演们多出身自剪辑师或者制片人，而没有正式地接受过如何指导演员的训练。有些导演会要求许多场排练，如果你遇到了这样的导演，你要感谢你的幸运星。一些导演喜欢使用即兴表演。其他的导演则期望演员们不排练就能表演，只会出于走位的原因进行一次过场排练。一般来说，在片场时演员没有尝试多种表演方式的灵活度。多数情况下，走位是固定的，而作为演员，你必须要让它看起来自然而即兴。如果你的导演不要求排练，那你最好准备好在第一次见面时就倾尽全力地表演。

也许对于导演来说，按时且不超出预算地完成一部电影，就是最难的事情。没人希望雇用一个浪费制片人的钱的导演，而时间就是金钱。许多的金钱。所以永远不要拖一场戏的拍摄时间。这是无法被原谅的。

作为演员，你做的最差劲的事情就是不提前准备好，不背好台词或者阻碍导演“完成他的一天”(完成当天所有拍摄计划)。

为了按时完成拍摄，大多数导演需要创作故事板(storyboards)，就是像图片一样的，描绘了每一个分镜，提前计划好了每一个角度的一系列卡通画。

摄影师(Director of photography，DP):作为导演的合作搭档，摄影师负责摄像工作和灯光布置。摄影师是灯光组和器械组的负责人。在剧组里，每个人都是必要的。

器械组(Grips):负责灯光布置和预置(rigging)，即把摄像机和灯光放置在正确的位置上。举个例子，在《蜘蛛侠2》(Spiderman II)中，他们把17架摄像机放在了一辆火车旁边。著名导演约翰·休斯敦(JohnHuston)说过，如果被扔到一个荒岛上，他最愿意带上的剧组成员是器械师，因为器械师充满创新并且是出色的问题解决者。

灯光师(Gaffer):首席电工师(head electrician)，负责所有的布光。

声音组(Sound):有一组人专门负责电影中的声音。质量差的声音可以毁掉一部电影。声音组的负责人拥有耳机，并且能够听到所有的东西。第二负责人则确保每一个人都佩戴了能够听到中控台的耳机。要确保当你戴着麦克风时，不说不做任何你不希望被听到的事情——因为声音组的人能听到你说的一切。如果你需要去洗手间，就在征得他们的同意之后取下麦克风。

收音器操作员(Boom operator):负责把录音设备放在一根长杆上，然后举过演员的头顶，确保设备不进入镜头画面内。

就餐服务(Craftservice):就餐服务人员负责为剧组人员提供全天的食物。这是一项比听上去要更重要的工作，而且要求很长的工作时间。就餐服务区是人们不工作时喜欢聚集的地方。

布景(Set decorator):负责布置现场拍摄场景，而美术指导(Setdesigner)负责整个作品的审美。

道具师(Prop master):负责所有的道具。

服装师(Costumer):负责珠宝、帽子、手套和鞋子。如果你在剧中需要带上牙套，那它会在道具师的手里。

场记(Script supervisor):负责记录当天拍摄的一切。他记下打板上写的东西。他为剪辑师记录下每一次的拍摄。他会为导演对每一次拍摄内容的评语做笔记。他同时会监督演员动作和台词是否与剧本相符。如果在一场戏的某一次拍摄中，你把右手放在了桌子上，那么他会确保在接下来的每一次拍摄中，你都把右手放在桌子上。

制片助理(Production assistants，PAs):负责所有的跑腿。他们日后一般会成为制片人，所以要友好地对待他们。

导演助理(Assistant director，AD):就像片场的带头人，还负责统筹行程表。他要确保在导演喊“开始”之前，现场是安静的。导演助理指导临时演员，但从不指导专业演员。

交通(Transportation):司机负责把设备带到现场，开车接送主演来回片场。

片场礼仪

懂得在片场时如何表现会让你感觉自在。像特温·卡普兰一样有经验的演员/制片人会是非常熟知片场的人，你可能会从电影《独领风骚》中认出她。她在电影中饰演了“盖斯特老师”。她对演员们有以下建议:

电影片场的礼仪是重要的。你可能成千上万次地听过那些不成文的规矩，而仍然需要温习它们。

你的经纪人打来电话——你拿下这个角色了!你很激动，恨不得马上打电话告知所有你认识的人。当你的剧本当晚被送到家里时，先检查对话内容是否有所改变。当第三导演助理打电话告知你集合时间，给予你如何到片场的指引时，记下他的电话，以便迷路时使用。为自己的车加满油。提前准备好早上要穿的衣服，在包包里放好驾照、护照或者社会保险卡，然后才去睡觉。

如果你很幸运地有人来接，那么请一定要准时。更佳的情况是，提前站在外面!司机很辛苦。他们在你的闹钟响之前就离开家，到了晚上也是最后一个回到家的。友善地对待他们。(他们挣得不多!)当你守时并且令人喜爱，他们可能会为你中途在星巴克停一下，让你能够带一杯咖啡到片场。而如果你早晨上车前迟到了5分钟，司机可能已经在打电话告诉片场的所有人你还没有准备好。如果司机很友善地告诉你可以抽烟，也不要抽烟。那一天也会有别人坐车，而如果他们吸入你留下的二手烟，就不大好了。不要把食物带进车里。不要聊八卦。你不知道此刻坐在你后面的是谁。噢，不要用除臭剂或者古龙水来替代洗澡。没有比一个气味糟糕的演员更差劲的事情了!

顶着干净的头发和干净的素颜脸蛋到达片场。女孩们，带上衬衫或者大领口的毛衣。我喜欢在早晨时舒适地化妆/做发型，但是我们必须在不搞砸妆发的前提下，轻轻松松地把衣服脱下来。

当你到达片场时，去找第一导演助理，然后向他介绍自己。导演助理会带你到你的保姆车里，然后通知服装部门把你的戏服带过来。留在你的保姆车里，直到有人过来叫你去做妆发。

不要对他们给你穿戴的服饰产生任何抱怨，即使你看起来像埃莉诺·罗斯福。

尽量在化妆车里保持安静。如果有明星演员正坐在隔壁的椅子上，等他们先说话。他们会专注于自己的台词而不想被打扰。

在化妆师化好妆后，不要补妆，连补涂防晒霜也不可以。即使你只是补涂了一层睫毛膏，她都能从很远的地方认出来。化妆师和发型师已经和导演沟通过妆发，他们知道导演想要的造型是什么。相信我，他们从你的口红色号到发胶都仔仔细细地讨论过了。

在发型师做好头发后，不要玩自己的头发。这点男生比女生更常做。他们让指尖穿过头发，就像担心自己即将秃头了一样。现在的年轻男人都怎么了?

当你在片场时，不要讲述自己的人生故事，吹嘘自己过去演过的作品，或者讲述自己曾经为乔治·克鲁尼跑龙套的故事。真的，当导演专注地与摄影师一起布置片场时，听着演员喋喋不休是极其无聊和沉闷的。最糟糕的情况就是导演助理转身尖叫着叫你住嘴。(第一导演助理的工作，就是让片场保持安静。)

当你安静下来时，你可以倾听和学习。你可以吸收信息——摄影机摆在哪里，什么角度，他们这场戏想要什么。

在片场不要带着手机或者电脑，而且千万不要拍照作秀。自从狗仔队出现以来，每个人都神经兮兮的。如果你有照相机，那就留在你的保姆车里。穿好戏服后，拍一张照片发给妈妈，但不要带着它到片场!

记住:你永远不知道谁是谁，所以请微笑并尊重片场的每一个人。

还有一件事——我知道现场有免费的食物，而我们都喜欢免费的食物，但是先演戏，再吃饭。吃得太多会让你感觉疲惫。

要确保在离开片场前签到，并拿回你的身份证!把你的戏服放回到原来的衣架上，把首饰放回到塑料袋里，而且不要把现场的袜子或者任何一件他们给你的东西带回家。检查一下卫生间，确保所有地方都干净整洁，跟你来的时候一模一样，服装师在你离开片场后必须要进入每一个人的保姆车整理衣服。司机则必须要打扫洗手间的卫生。让他们的工作更简单吧;这样，他们会记住你的。

在电影或者电视剧的片场工作总能让我感到幸运。交些朋友吧。享受这趟旅程!

本章总结

一套好的技巧，对于一个专业演员来说，必须是第二本能。直到你的技巧达到完美之前，你都无法自由地为从戏中搭档那里获得所需而“奋力争取”，因为你会担心如何拿好剧本、如何站立，或者什么时候开始。

如果你已经娴熟地掌握了演戏的技巧，如果你懂得如何和导演合作，如果你知道在片场要如何表现，如果你了解了电影制作的基本术语和词汇，你就永远不需要担心会出糗。你的表现会体现你的职业——专业的演员。